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최지혜 예술 칼럼 427 볼프강 틸만스의 시선: 조용한 방 안의 혁명

편집부 — Sun, 28 Dec 2025 13:34:01 +0900

최지혜 예술 칼럼 427

볼프강 틸만스의 시선: 조용한 방 안의 혁명

1991.모습’ 보통의 ‘그리고 그 속에 놓인 젊은이들의 지극히.
약간은 흐릿한 채도의 오후 빛, 어질러진 테이블, 낡은 소파.
의 한 방 안(Remschied)독일의 작은 도시 렘샤이드, 년.〉이다domestic scene, Remscheid, 1991의 초기 대표작 〈(Wolfgang Tillmans, 1968-)이 사진은 볼프강 틸만스

Wolfgang Tillmans. domestic scene, Remscheid. 1991 (: MoMA)사진출처

.그리고 인간 존재의 조건이 촘촘히 녹아 있다, 그 안에는 한 세대의 정서와 유럽의 변화, 표면적으로는 아무것도 일어나지 않는 순간 같지만

.그 시작은 바로 이처럼 조용하고 무심한 순간에서 비롯될 것이다, 사진 한 장이 말없이 세상을 바꿀 수 있다면

1. 1991일상이라는 정치적 장소: 렘샤이드의 방, 년 독일

1991.으로 기록했다’시대의 풍경 ‘이자’저항의 장소 ‘일상을, 틸만스는 이 시대의 공기를 포착해. 의 정체성과 감각에 주목하기 시작했다’자기 자신‘젊은 세대는 국적과 이념보다는 이제 , 그리고. 먼저 냉전이 무너졌다. 급속한 변화가 휘몰아치던 시기였다, 년은 독일 통일 직후

.을 잡아낸다"삶의 흐름 속 정체성의 진실"틸만스는 전통적인 초상사진이나 보도사진이 다루지 못한 , 의 태도에서'있는 그대로 '하지만 바로 그. 이다’그대로의 공간 ‘공간은 인공적 연출 없이, 조명은 자연광에 의지하며, 그들은 포즈를 취하지 않고. 작품속 인물들은 카메라를 의식하지 않는다

Wolfgang Tillmans, Suzanne & Lutz, white dress, army skirt, 1993 (: MoMA)사진출처

.그리고 탈이념적 유럽 청년 문화를 은유적으로 응축시켰다, 이민자 세대, 커뮤니티 LGBTQ+ 그는 렘샤이드의 이 평범한 집 안을 통해. 틸만스에게 집은 단지 사적인 공간이 아니다

2. 관찰자에서 공존자로, 카메라라는 존재

Wolfgang Tillmans, Anders pulling splinter from his foot, 2004. Courtesy: the artist, David Zwirner, Hong Kong/New York, Galerie Buchholz, Berlin/Cologne and Maureen Paley, Londo (: FRIEZE)사진출처

.순간이다’ 그냥 있는 ‘아무 일도 일어나지 않은, 혹은. 끝났을 수도 있는 순간, 〉은 누군가의 사랑이 시작되거나domestic scene〈. 혹은 사건이 사라진 후의 여운을 기록한다, 오히려 그는 사건 이전의 감정. 을 다루지 않는다’사건 ‘틸만스의 사진은 어떤

.로 만든다’삶과 함께하는 존재, ‘가 아닌’증인의 도구 ‘그는 카메라를. 그러나 그것이야말로 틸만스의 사진이 가진 힘이다

.때로는 바닥에 누워 있다, 그것은 방 안에 함께 앉아 있고. 사진은 결코 멀리서 관찰하지 않는다

:틸만스는 말한다

“.”함께 숨 쉬고 싶었다, 나는 대상과 거리를 두기보다는

.폭력 없이 진실에 다가가는 방식인 것 같다, 이야말로’부드러운 시선 ‘그러나 이. 미묘하다, 흐릿하며, 또 불완전하고. 그래서 그의 프레임은 늘 친밀하다

3. 틸만스는 이미 대답했다? 사진이 예술이 될 수 있을까

. 사진이 현대미술의 본류로 편입되는 데 결정적인 역할을 했다,
을 수상하며(Turner Prize)년 사진 작가로는 최초로 터너상 2000볼프강 틸만스는

.정치와 정서를 넘나드는 사진의 언어를 구축해냈다, 기록과 감각, 휘트니 미술관 같은 세계적 기관에 수집되었고, 테이트 모던 MoMA, 〉과 같은 그의 일상적 이미지들이domestic scene〈

.감정의 리듬을 따라가도록 유도한다, 공간의 분위기, 전체적인 흐름, 고 강요하지 않고’한 장면을 보라 ‘그는 관객에게. 벽과의 거리까지 작품의 일부로 만든다, 배열, 인쇄 방식, 사진의 크기, 로 간주하며’설치 ‘특히 틸만스는 전시 구성 자체를

.을 제시한다’살아 있는 상황, ‘가 아니라’완결된 이미지 ‘그래서 그의 예술은. 를 맺으며 존재한다’관계 ‘틸만스의 전시 속에서는 늘 다른 이미지들과, 〉 역시 독립된 사진이지만domestic scene〈

WOLFGANG TILLMANS, 'DAN', 2008 (: Sotheby’s)사진출처

4. 이 방에 우리도 있다, 지금

.이었다’일상 ‘그러나 그의 이 모든 거대한 메시지의 시작은 언제나. 을 실천하고 있다’예술가의 사회적 책임, ‘자유의 위기 같은 주제를 사진과 퍼포먼스로 다루며, 젠더 정체성, 난민 이슈, 오늘날 틸만스는 유럽 민주주의

.그리고 사랑의 장면이 거기 있다, 불안, 관계, 우리가 누군가와 나누던 대화. 우리 모두의 기억 속 방이 될 수 있다, 그 사진 속 공간은 누구의 방이 아니라. 〉은 여전히 유효하다domestic scene, Remscheid, 1991〈

.그리고 지금도 있다. 우리는 그 방 안에 있었다

.라는 것을 보여준 것이다’예술은 바로 거기에 있었다, ‘한 것이 아니라’예술로 포착 ‘틸만스는 그 공간을

5. 년 만의 파리 대규모 무료 전시 개최 23퐁피두 센터에서, 볼프강 틸만스

. 인쇄물 아카이브 등으로 채웠다, 사운드 설치, 비디오 루프, 층 전체를 사진 2제곱미터 규모의 공공 도서관 6,000약, 이번 전시는 센터의 개보수 공사 전 마지막 기획전으로. 일동안 열렸다 22월 9일부터 13월6의 특별 전시가 파리 퐁피두 센터에서(Wolfgang Tillmans)볼프강 틸만스

. 년까지 폐쇄될 예정이라서 이번 전시는 그 이별을 상징하는 문화적 이벤트로 주목을 받았다 2030센터는 석면 제거 및 구조 보수로 인해. 건축가 렌조 피아노가 설계한 퐁피두 센터의 현재 모습을 볼 수 있는 마지막 기회이기도 했다, 년 이후 파리에서 이와 같은 대규모 전시는 처음이라 2002특히

6. 가장 작고 사적인 풍경이 세계를 바꾼다

.바로 사람이 사람을 바라보는 방식이라는 걸, 정치적 언어보다 더 급진적인 건.
대신 조용히 보여준다. 그는 외치지 않는다. 이다’침묵 속의 선언 ‘볼프강 틸만스의 사진은

:오늘의 우리에게 질문을 던진다, 무심한 정리되지 않은 순간을 통해, 젊은 영혼의 표정, 〉는 한 방의 공기와 빛domestic scene, Remscheid〈

“?”그리고 당신의 방은 어떤 이야기를 담고 있는가? 당신은 지금 누구의 옆에 서 있는가

Wolfgang Tillmans, Home, 2004 (: Artsy)사진출처

(…)다음에 계속

아트컨설턴트 최지혜, 유로저널칼럼니스트

메일 : choijihye107@gmail.com

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홈페이지가 외부의 충격으로 업로드가 늦었습니다. 우선 최신의 글부터 게재하겠습니다.

편집부 — Sun, 30 Nov 2025 23:14:19 +0900

홈페이지가 외부의 충격으로 업로드가 늦었습니다.

우선 최신의 글부터 게재하겠습니다.

채플 ‘오스틴’ – 엘스워스 켈리

편집부 — Sun, 25 Aug 2024 18:50:03 +0900

유로저널 391

채플 ‘오스틴’ – 엘스워스 켈리

미국 텍사스 주립대학교 캠퍼스를 천천히 걷다 보면 블랜턴 뮤지엄을 만날 수 있다. 이곳은 1963년에 설립된 텍사스 대학교 오스틴 캠퍼스에 있는 주요 미술관으로, 현대미술과 유럽, 라틴, 고전미술 등을 아우르는 다양한 컬렉션과 전시 프로그램으로 잘 알려진 곳이다. 그리고 2006년에 현재의 건물로 이전하면서 그 중요성과 영향력이 더욱 커졌다.

블랜튼 미술관에 입장할 때에 엘스워스 켈리의 스테인드글라스

건물 입장 시 필요한 티켓도 함께 준다. 캠퍼스를 따라 걷다보면 엘스워스 켈리의 하얀 건물 ‘Austin’이 보인다.

Ellsworth Kelly, Austin, 2015 (밖) (사진출처:Medium)

이곳은 ‘채플’이라고 불리게 될 거예요

2015년 엘스워스가 92세의 나이로 세상을 떠나기 한 달 전의 일이었다. 그는 약 2713피트 높이의 건물에 스테인드글라스 디자인이 더해진 엘스워스의 ‘오스틴’ 프로젝트를 시작했다. 그리고 마침내 채플을 지어 블랜턴 뮤지엄에 그것을 선물했다.

빛을 머금는 대로 스테인드글라스가 색을 고이 비추는 이 프로젝트가 성사되기까지는 굉장히 많은 비용이 들어갔다. 하지만, 완성된 채플의 모습은 그럴만한 가치가 있는 것 같다. 사각형의 유리창을 통과하는 9가지 색상은 흰 건물의 공간적 차분함과 어우러져 과거 엘스워스의 작품들이 지녔던 색처럼 맑고 선명하게 비쳐진다.

그리고 채플 안으로 들어서면 붉은 목재로 조각된 토템과 블랙 앤 화이트의 패널 14개가 있어 엘스워스의 커리어를 전반적으로 둘러 볼 수 있다.

Ellsworth Kelly, Austin, 2015 (안) (사진출처:Texas Monthly)

한 가지 오스틴에 대해 알아야 할 것이 있다면 캠퍼스와 어울리는 이 채플은 우리가 일반적으로 떠올리는 채플과는 완전히 다르다는 것이다.

미국 텍사스 휴스턴에도 일반적인 종교 사원과는 다른 ‘세계에서 가장 평화로운 장소’라고 불리는 로스코 채플이 있다. 그곳도 입구에서부터 아름다운 나무들과 고요한 물이 방문객의 마음을 붙잡는다. 그리고 안으로 들어서면 자연 채광에 거대한 마크 로스코의 그림들이 우리를 마치 고요한 예배당에 있는 것 같은 기분을 느끼게 한다.

휴스턴의 로스코 채플 (사진출처:chron.com)

종교와 상관없는 채플이라는 점에서 엘서워스의 채플은 로스코의 채플과 닮아 있다.

엘스워스는 ‘무신론자’이자 ‘초월적인 무정부주의자’였다. 그래서 그는 ‘Austin’ 건립을 추진할 때 가톨릭대학교의 헌납 제안을 거절했었다. 엘스워스는 오스틴의 빛이 특정 종교 혹은 어떤 한 개인에게 속하는 것을 거부했다.

엘스워스를 그 누구보다도 가까이서 32년간을 지켜 본 그의 파트너였던 잭 셰어는 “누군가가 좋아하든 싫어하든 이곳은 ‘채플’이라고 불리게 될 거예요.”라고 ‘뉴욕타임스’와 ‘T 매거진’과의 대화에서 말한 바 있다.

기쁨을 가져다주고 그들이 평안을 찾을 수 있는 장소

‘오스틴’은 원래 1980년대 산타 바바라에 살던 한 개인의 커미션으로 시작된 프로젝트였다. 그런데, 엘스워스는 ‘영구적이고, 널리 대중으로부터 접근성이 좋고, 잘 보존되는,’ 이 구체적인 세 가지 계획을 실현하기 위해 커미션을 위한 최종 결정을 변경했다.

그의 바람을 정확히 이해한 치나티 파운데이션을 통해 이 프로젝트에 소요된 23만 불의 펀드 레이징을 추진했던 블랜턴 뮤지엄의 디렉터 사이먼 위차를 만나 협업을 하게 되었다.

“우리는 이것을 위해 엘스워스와 꼬박 3년을 작업했어요. 건축가들을 만나서 모든 것들을 세분화시키고 그의 크고 작은 의도가 세세하게 이루어질 수 있도록 진행했죠.”

사이먼은 세속적인 채플이 제공하는 사적인 경험을 강조했다. 그래서 그런지 ‘오스틴’에 들어서는 순간 우리는 사적인 시간을 보장받게 된다. 이 채플을 이루는 재료, 빛이 공간에 닿는 방식, 그리고 고요한 사색의 틀 안에서 그저 공간의 빛만이 존재감을 드러낸다. 거기서 우리는 고요를 느끼게 된다.

“오스틴은 즐거운 도시예요. 친근하고, 창조적인 도시죠. 엘스워스는 그저 이 작품이 사람들에게 기쁨을 가져다주고 그들이 평안을 찾을 수 있는 장소로 제공되기를 바랐어요.”

엘스워스의 바람대로라면 세속의 발걸음을 고요히 받아들이는 ‘오스틴’은 그 역할을 충실히 하고 있는 것 같다.

엘스워스 켈리 데이

2023년 5월 31일, 뉴욕 시장 에릭 아담스는 엘스워스 켈리의 탄생 100주년을 기념해서 5월 31일을 엘스워스 켈리 데이로 지정했다. 이것은 평생을 뉴욕에서 지낸 20세기 최고의 추상화가인 그를 기리기 위해 모마, 메트로폴리탄, 휘트니 뮤지엄이 함께 노력한 결과였다.

그의 100번째 생일을 맞이해 다양한 행사들이 열렸는데, MoMA에서는 2개의 전시를 선보였다. ‘A Centennial Celebration’ (2월3일-6월11일)과 ‘Ellsworth Kelly’s Sketchbooks(2월3일-6월21일)’였다. 여기에서 ‘Spectrum IV’(1967)와 ‘Chatham VI’(1971) 등 모마의 영구 소장품을 만나볼 수 있었다.

Ellsworth Kelly, Spectrum IV, 1967 (사진출처:WikiArt)

Ellsworth Kelly, Chatham VI: Red Blue,1971 (사진출처:MoMA)

특히 전시 ‘켈리의 스케치북’에서는 지난 60여 년 간의 켈리의 작품이 전시되었는데, 스케치북 25권을 포함한 기증 작품들로 구성되었다.

Ellsworth Kelly, Tablet, 1948-73 (사진출처:New York Times Web Archive)

“이 세상에서 가장 즐거운 일은 어떤 것을 보고 그런다음 내가 그것을 보는 방법을 어떻게 바꾸는가이다.”

- 엘스워스 켈리 –

유로저널칼럼니스트, 아트컨설턴트 최지혜

메일 : choijihye107@gmail.com

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정작 그가 작품을 보지 못한다면 그냥 보지 못한 것이다 - 로버트 어윈 (Robert Irwin)

편집부 — Sun, 11 Aug 2024 16:50:56 +0900

유로저널 390

정작 그가 작품을 보지 못한다면 그냥 보지 못한 것이다

로버트 어윈 (Robert Irwin)

예술과 함께 떠나다

작품을 보는 관람자는 예술과 함께 떠나게 된다. 즉, 예술을 경험하는 것이다. 특정 경험, 특별한 주의의 대상이 되는 경험 자체가 예술이다.

빛과 공간에 대한 연구를 하면서 미니멀리스트 예술의 선구자였던 로버트 어윈(Robert Irwin, 1926-2023)은 사람들이 자신의 지각을 지각하게 그리고 자신의 지각을 자각하게 하고 싶었다.

그는 이 문제를 파고들어 사람들이 자신의 의식을 의식할 수 있게 만들 수 있는 작품을 위해 고민했다. 그래서 회화의 한계와 조각의 한계가 아니라 이렇게 경험의 한계를 다루면서 마음의 프레임을 다루었다.

이렇게해서 그는 즉각적인 존재를 지각할 기회를 제공하는 방법을 탐색했고, 그리하여 대상이 아닌 지각과 경험에 초점을 맞추면서 회화에서 점점 벗어나기 시작했다.

“회화는 현존, 다시 말해 현상학적 존재에 관한 것이다. 회화는 엄연히 존재한다. 그걸 보지 못한다면 그냥 보지 못한 것이다. 그건 거기 없는 것이다. 누군가를 면전에 두고 작품 이야기를 한참할 수는 있다. 그러나 정작 그가 작품을 보지 못한다면 그냥 보지 못한 것이다...그 시절 이후 내 작품은 모두 현상학적 존재의 탐색이었다.”

로버트 어윈 -

Robert Irwin, Untitled, 1963-65 (사진출처:Whitney Museum of American Art)

이것은 어윈의 1960년대 중반의 점 회화(Dot Paintings) 중 하나다. 그는 회화를 이차적으로 간주했지만, 그렇다고 회화를 완전히 거부했던 것은 아니었다. 그저 이미지를 끈기 있게 축소시켜 나갔다. 그리고는 사람들이 이미지가 점점 희미해지다가 사라져가는 작품을 보면서 자신의 지각을 지각하기를 바랬다.

하지만, 누군가는 그저 하얀 백지에 옅은 파스텔의 큰 점이 있는 이런 그림을 보고 아무것도 느끼지 못할 수도 있다. 어윈은 그렇다면 그들은 그냥 보지 못한 것이라고 생각했다.

그런데 작품을 계속 보기 시작하면 작품은 상상 속 가상의 작품과 정확하고 동일한 현실성을 갖게 된다. 그는 이것이 자신이 탐구해오는 바라고 말했다.

Robert Irwin, Untitled,1969 (사진출처:WikiArt)

이게 무슨 말인가?

처음에 위 작품을 보면 하얀 원을 중심으로 회색빛 네잎 클로버 형태가 퍼져 있는 것처럼 보인다. 그런데, 사실은 하얀 원은 그림이 아니다. 벽으로부터 10㎝가량 떨어져 설치된 볼록한 알루미늄 원반이다. 주위의 회색 원들도 그림이 아니다. 이것은 모두 이 원반의 그림자일 뿐이다.

어윈은 직경 약 150㎝의 원반 위에 흰색 래커를 100겹 이상 분사해서 매끈한 광택 대신 빛을 부드럽고 자연스럽게 분산시킬 수 있게 오톨도톨한 재질감이 고르게 느껴지도록 만들었다. 그렇게해서 조명은 정말 완벽하게 동일한 형태의 그림자들이 동일한 명도로 겹쳐져 벽면에 비쳐진다.

Robert Irwin, Untitled, 1967 (사진출처:MutualArt)

이상한 것은 눈을 비비고 다시 봐도, 또 이것이 빛의 반사라는 것을 다 알고 봐도 고체인 원반과 조명의 효과일 뿐인 그림자 사이의 밀도 차이를 쉽게 구별할 수가 없다. 원반의 표면은 볼록한 듯 오목하게 보이고, 오목한 듯하다가도 벽에 밀착된 평면처럼 보인다.

어윈은 이런 시각의 착각을 통해 무엇을 나타내고 싶었던 것일까?

뭐지 싶은 이런 혼란스러움 속에서 시간이 흐르고 나면 나중에는 작품이 아니라 작품을 보고 있는 우리 두 눈의 작용을 느끼게 된다. 과연 우리의 눈은 우리에게 진실을 보여주고 있는 것일까?라는 의문이 든다.

어윈은 이렇게 작품 자체보다는 사물과 공간, 물질과 환영 사이의 차이를 감지하고 인식하는 지각 자체에 관심이 있었다. 너무나도 많은 자극적인 이미지의 홍수 속에서 살아가는 우리 현대인은 이제 실제로는 아무것도 눈여겨보지 않는 것 같다. 그냥 대충대충 넘어가지 않으면 머리가 너무 복잡해질 수도 있기 때문일까?

이런 우리들에게 어윈은 말한다. 자신의 작품이 “당신이 오늘 본 것보다, 내일 조금 더 많이 보게 만드는 작품”이라고.

그의 말대로, 보고 지각하되 지각하는 것을 자각하는 것. 이것은 아마도 우리가 우리의 눈을 맹신하지 않고 눈앞에 보이는 것들을 의심하는데서 시작할 수 있지 않을까 싶다.

'현상적 예술'

로버트 어윈하면 많은 사람들이 세계적인 건축가 리차드 마이어의 작품인 미국의 로스앨젤러스에 있는 ‘게티 센터’ 중앙에 위치한 ‘게티 가든’을 떠올릴 것이다.

자연 계곡과 500종 이상의 식물, 연못, 꽃나무 미로, 분수대, 산책로 등이 조성되어 있어, 길게 늘어선 나무를 따라 산책하거나 잔디 위에서 여유롭게 휴식을 취하기에 딱 좋다. 이렇게 많은 사람들로부터 사랑받는 이 정원을 바로 어윈이 설계했다. 그는 설치 미술가이기도 하기 때문이다.

게티 가든 (사진출처:Getty Museum)

그는 특히 식물, 물 사이의 상호 작용을 탐구하고 끊임없는 변화의 설치로 유명했다. 그런데, 위에서 본 것처럼 그는 처음에 표현주의적인 추상 화가로 작품활동을 했다. 그리고 서서히 선과 점 조각으로 벽에 설치를 시작했다.

그러다가 미니멀리즘의 단계를 거치면서 현상학에 의거하여 관람자의 신체의 이동, 시각의 변화, 공간의 지각 경험에 대한 자신의 예술 개념인 '현상적 예술' 개념을 형성했다.

Robert Irwin, Untitled (Acrylic Column), 1970-71 (사진출처:Flickr)

그는 빛을 활용하여 공간에 대한 우리의 감각과 의식을 새롭게 하고 싶었다. 빛과 공간이 융합되는 것을 강조해서 그는 자신의 작품을 '조건적 예술' (conditional art)이라고 설명했다.

Robert Irwin, 'Light and Space (Kraftwerk Berlin)', 2021 (사진출처:Pace Gallery)

그는 장소에 인위적 개입을 최대한 피했다. 그리고 원래 장소의 특성과 아름다움을 그대로 드러나게 해서 관람자가 주체적으로 공간의 변화를 경험할 수 있도록 작업했다.

(다음에 계속…)

유로저널칼럼니스트, 아트컨설턴트 최지혜

메일 : choijihye107@gmail.com

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사막을 그리다 – 카지미르 말레비치 (2108)

편집부 — Sun, 11 Aug 2024 14:24:30 +0900

유로저널 389

사막을 그리다 – 카지미르 말레비치

내가 사막을 처음 만났던 곳은 캘리포니아에서였다. 그곳에 가기 전까지 나는 사막은 사하라 사막처럼 아무것도 없는 그저 모래로 가득한 곳이라고만 생각했다. 그런데, 사막은 아무것도 없는 공간이 아니었다. 그 이상이었다.

그 곳에는 무한정한 소리의 침묵이 흐르고 있었다. 이런 사막을 가장 잘 표현한 영화 중 하나가 ‘듄’인 것 같다.

영화 ‘듄’의 사막

프랑크 허버트(Frank Herbert)의 동명의 소설을 원작으로 하여 만들어진 영화 "듄 (Dune)1,2” 속의 대부분의 배경도 사막이다. 여기서 사막도 영화의 중요한 상징적 요소로 작용한다.

사막은 듄 행성에서 가장 주요한 자원인 멜랑저(머나니) 스파이스가 산출되는 장소다. 이 스파이스는 길티나스 혈통을 통해 예언된 예정자를 발견하고 제어하는 열쇠가 되는 것이다. 그러니까, 이 영화에서 사막은 권력과 지배의 중심지가 된다.

사막은 탁월한 생존 기술과 지혜없이는 살아남을 수 없는 극도로 가혹한 환경으로, 생존이 매우 어려운 곳이다. 그래서 사막은 주인공 폴 아트레이데스(Paul Atreides)가 자신의 운명과 역할을 깨닫고 자아를 찾는 과정에서 중요한 배경이 된다.

영화 듄2의 한 장면 (사진출처: hdqwalls)

세 번째로, 사막은 물리적인 도전 뿐만 아니라, 주인공의 내면적인 시련과 변화를 보여주는 곳이다. 주인공 폴은 사막에서 자신의 능력과 운명을 깨닫고, 그의 인간적, 정신적 성장과 도전을 겪는다.

마지막으로, 이 영화에서 사막은 존재론적 상징 그 자체다. 그곳에서의 삶과 죽음, 인간의 한계와 용기, 그리고 자아 발견의 여정이 영화 속에서 깊이 있게 다루어진다.

아무것도 없을 것 같은 또, 존재할 수도 없을 것 같은 황량한 사막이 영화 "듄"에서는 단순한 배경을 넘어서, 주제의 핵심과 주요 캐릭터들의 성장과정을 깊이 있게 반영하는 중요한 상징적 장소다.

말레비치의 사막

이런 사막을 그림으로 그린다면 어떻게 표현될 수 있을까? 사막에 흐르는 침묵, 그것은 무슨 색일까? 하얀색? 아니면 검은색?

카지미르 말레비치, 흰 바탕 위에 검은 정사각형 , 1915. 모스크바 트레티야코프 미술관 소장 (사진출처:한국경제)

이것은 단순한 외관을 넘어서 복잡한 사유와 상징주의적 내용을 담고 있는 절대주의의 창시자인 러시아 태생의 현대 미술가 카지미르 말레비치(Kazimir Malevich, 1879-1935)의 검은 사각형이다.

말레비치는 이 그림과 함께 예술도 사막에서 헤매게 되었다고 말했다. 그에게 사막은 극한의 어려움과 절망으로 이끄는 상실의 어떤 곳이 아니라, 신의 초월성이 드러나는 장소였다.

“중요한 것은 단지 감수성밖에 없다. 바로 이 길을 통해 예술, 즉 절대주의는 재현을 벗어난 순수 표현에 이르게 된다. 예술은 감각외에 아무것도 감지할 수 없는 사막에 도달한 것이다. 절대주의의 사각형 및 그 이념에서 생겨난 형태들은 원시인의 기호와도 비교될 수 있다.”

- 말레비치 -

또한 말레비치는 물리적인 사막의 이미지를 초월하여 인간의 정신적 상태나 사회적 현실을 담아냈다. 그에게 사막은 현대 사회의 고립과 불확실성을 상징적으로 투영하는 곳이었다.

“우리가 사랑한 모든 것은 사라졌다. 우리는 사막에 있다…우리 앞에는 흰 배경에 검은 사각형 외에는 아무것도 없다.”

- 말레비치 –

그의 작품은 우리가 사막에서 살고 있고 그곳에서 우리가 현실이라고 믿어왔던 이념이나 의지의 세계를 떠나 해방되는 것, 그리고 그것을 느끼는 것만이 삶의 실체라고 말하는 것 같다.

Kazimir Malevich, Black Square (2nd version), c.1923 (사진출처: WikiArt)

말레비치는 예술이 ‘어떤 대상을 재현하는 것’이라는 개념에서 벗어나지 못하고 있다고 생각했다. 그는 인상주의, 야수주의, 그리고 입체주의까지도 대상을 ‘어떻게’ 묘사할 것인지에 초점이 맞춰져 있었다고 하면서, 재현할 대상이 없다고 하더라도 회화는 회화 그 자체로 존재해야 한다고 주장했다.

그는 절대주의 이전의 모든 회화, 조각, 문학, 음악은 자연의 형태에 종속되어 있었다고 말했다. 그래서 대상을 재현한다는 의무를 지고 있는 예술을 해방시키고자 새로운 대안을 제시했다. 그리하여 결과적으로 캔버스 위에 사각형만 남겨 놓았던 것이다.

말레비치의 이 정사각형은 무언가를 상징하거나 묘사하지 않는다. 그리고 네 변이 같고, 네 각이 같은 완전하고 절대적인 형태로서 마침내 이것은 그의 유일한 조형 언어가 되었다.

그는 이번에는 반대편 극단으로 치달렸는데, 어둠 대신에 밝음을 가지고 실험하면서 검은 사각형 대신 ‘흰색 위의 흰색’이라는 작품을 그렸다. 그때까지 자신이 내놓은 작품 중 가장 급진적인 작품이자 당시의 미술 분야에서 지축을 뒤흔든 작품 중 하나였다.

카지미르 말레비치, 흰색위의 흰색, 1918 (사진출처: 네이버 포스트)

말레비치는 이렇게 무한이라는 느낌을 불러일으키는 하얀 사각형 위에 하얀색 사각형이 겹쳐지는 작품 연작을 그렸다. 그에게 예술은 근본적으로 정신적인 것이었다.

“이제 우리는 현실과 유사성도 없고, 이상적인 이미지도 없으며, 물건도 없고, 맨몸을 드러낸 뼈밖에 없는 사막 외에는 아무것도 없는 장소에 다다랐다. 그러나 이곳 이 사막에서 이제 어떻게 달라질지 질문을 시작할 수 있다.”

- 말레비치 –

Kazimir Malevich, The White Cross, c.1927 (사진출처: Arthive)

말레비치와 같이 우리도 맨몸을 드러낸 뼈밖에 없는 사막에서 우리의 삶을 위해 스스로 어떻게 달라질지 질문을 시작해보면 어떨까?

같은 여백, 다른 느낌 – 먹빛의 공격성(Aggression), 윤형근

편집부 — Mon, 01 Jul 2024 16:22:30 +0900

유로저널 386

같은 여백, 다른 느낌 – 먹빛의 공격성(Aggression), 윤형근

‘Dansaekhwa(단색화)’

우리나라 1970년대 초에 출현하여 1980년대와 1990년대를 거치며 진화, 성숙해 나간 단색화는 주로 서양의 모노크롬의 한 종류로 비유가 되는 경우가 많다. 사실 내용이 미니멀해서 단색화도 최소적으로 보이는 모노크롬과 닮은 것 같아 보인다.

하지만, 2015년 베니스 비엔날레 특별전에서는 단색화를 영어 설명으로 ‘모노크롬’으로 번역하지 않고 그냥 ‘Dansaekhwa(단색화)’로 소개했고 그 이후 ‘Dansaekhwa(단색화)’란 영어 표기를 계속 유지하고 있다.

서양 20세기 미술사에서 모노크롬은 이미지를 그릴 때 사용했던 원근법이나 화면상의 깊이감을 표현하는 회화의 전통적 장치를 일체 거부하면서, 바탕 위에 그려진 이미지없이 단일 색 이외에는 아무것도 남아 있지 않은 회화다. 그러니까, 미술에 가장 본질적인 최소만을 남기고 나머지는 다 뺀 미니멀리즘의 그림이다.

바넷 뉴먼, 하나임 I (Onement I),1948 (사진출처:Filckr)

적고동색 화면에 달랑 수직선 하나만 있는 이 그림에서 바넷 뉴먼은 성소와 같은 특별한 장소와 시간의 경험을 그려넣었다. 그래서 분명 색으로 채워져 있는데도 텅 빈 듯한 느낌이 든다. 그리하여 유한한 그림의 프레임 형태를 벗어나 무한하게 뻗어나가 그림과 외부가 전체로서 하나가 된다. 뉴먼은 이런 자신의 작품을 통해 사람들이 숭고를 느끼기를 바랬다.

그럼 단색화는 어떤가? 이미지 재현으로부터 독립한 선(線), 면(面), 물감의 질료성같은 요소들 간의 조합을 통해 조화로움을 확립한다.

이미지와 상관없는 단순한 선을 긋거나 물감을 화면의 뒤에서 앞으로 밀어 드러낸다든가 또는 농담을 이용해 면과 그림자를 만들거나 물감을 화면에 채우고 번지게 하는 등 단순해 보이는 시각적 요소들을 합쳐서 화면 위에 질서를 구축한다.

그리고 단색화는 점을 반복적으로 찍는 것과 같은 행위의 반복을 통해 회화이면서도 일종의 퍼포먼스와 같은 특색을 띤다. 또한, 물질과 사물, 즉 그리는 대상과 물아일체(物我一體)가 되도록 한다.

이런 단색화 그 중심에 있는 작가가 누구냐고 하면, 보통은 박서보, 이우환, 윤형근, 정상화, 하종현 등이라고 일컫는다.

그런데, 조형적으로 단순히 점, 선, 면과 단순한 색을 사용했다는 이유만으로 이들을 그저 단색화라는 하나의 ‘이즘’으로 묶는 것은 각자의 특색이 너무 분명해 좀 부적절해 보인다.

박서보. Ecriture (描法) No. 140410, 2012, mixed media with Korean traditional paper ‘hanji’ on canvas, Photo by Park Seo-Bo studio /Courtesy of the artist and Kukje Gallery

(사진출처:리아뜰 매거진)

특히 이우환 작가는 일본의 미술 운동인 모노파의 창시자이기도 하면서 동양 사상과 철학으로 미니멀리즘의 한계를 극복하고 무한함과 사물과 인간, 자연과 인간, 인간과 우주의 관계를 탐구하고 있는 작가다.

Lee Ufan, Response, 2021. (사진출처: Lisson Gallery)

하지만, 미학적인 면에서 단색화를 한국의 정체성과 동양의 정신성이 담겨 있는 그림이다, 그리고 자연과 하나가 되고, 명상과 깨달음을 느끼게 한다고 평가하는데, 이런 점에서는 어쩌면 이 작가들을 하나로 묶는 것이 가능할 것도 같다.

먹빛의 공격성(Aggression)

윤형근(1928-2007)도 단색화의 거장 중 한 명이라고 평가된다. 하지만, 위에서 언급했다시피 그의 ‘청다색(Umber-Blue)’ 시리즈의 묵색과 그 번짐은 다른 단색화의 여백과는 좀 다르다.

윤형근, Burnt Umber and Ultramarine, 1981, © PKM 갤러리. (사진출처: 경향신문)

윤형근의 여백에는 색이 스며들어 있어서 그려진 기둥과 그 여백이 연결되어 공간이 확장된다.

윤형근이 1980년 5·18 광주 민주화 운동이 발발하던서 당시 자신의 스케치북에 그린 작품

(사진출처: 아시아경제)

윤형근은 5·18 광주 민주화 운동에서 수많은 사람들이 죽었다는 소식을 접하고 절망과 분노를 느끼면서 이 작품을 그렸다.

우리 모두는 살아가면서 많은 좌절과 절망을 느낀다. 이럴 때, 우리에게 필요한 것은 ‘공격성 (Aggression)’이다. 소아과 의사이며, 아동분석가, 정신분석학, 유아 치료, 가족 치료 연구를 한 도널드 위니캇(Donald W. Winnicott, 1896-1971)은 나한테 주어진 옛 것을 허물고 나만의 새로운 삶을 창조하는 에너지 동력원을 ‘공격성’이라고 했다.

이것은 누군가와 싸워라는 것이 아니다. 나에게 주워진 삶을 개척할 수 있고, 바꿔나갈 수 있는 동력원을 가지는 것이 우리 삶에서 중요하다는 것이다.

1980년대 후반이 되면 작가 윤형근의 마음에도 이 새로운 삶을 창조하는 공격성이 생겨나기 시작하면서 그의 작품은 더 간결해진다. 기둥이 넓어져 색면이 화면을 채우고, 청색과 다색을 섞은 ‘먹빛’은 거의 순수한 검정에 더 가까워진다. 그리고 검은색이 겹겹이 칠해진 화면은 깊이감이 더해진다.

윤형근, Burnt Umber & Ultramarine, 1991 (사진출처: 네이버블로그)

우리는 삶에서 주워지는 자극을 향해 당당하게 세상에 맞설 힘을 길러야 한다. 이 힘, 즉 공격성은 인간 관계에 있어서도 가장 중요한 기본이다. 또한 공격성의 발달은 자신감과 긍정적인 마음도 불러일으킨다.

그런데, 이러한 공격성이 제대로 발전되지 않으면 우리는 누군가에게 해를 끼치게 되거나 또는 위축이 될 수도 있다. 그럼, 이 공격성을 제대로 발달시키기 위해서 필요한 것은 무엇일까? 먼저 자기 자신을 이해하는 것이다.

그리고 부당한 상황에서 자기를 방어할 수 있는 신체적인 힘과 함께 자신감을 길러야 한다. 거기서 우리에게 희망과 비전을 가질 힘이 생겨난다.

윤형근도 자기 자신에 집중했고, 이제 윤형근의 작품도 그의 자신감과 함께 회화가 아니라 회화 너머의 세계까지 드러낸다.

‘진실로 서러움은 진실로 아름다움하고 통한다’

– 윤형근의 1988년 8월 17일 일기 –

(다음에 계속…)

유로저널칼럼니스트, 아트컨설턴트 최지혜

메일 : choijihye107@gmail.com

#Kculture #Kart #윤형근 #이우환 #박서보 #하종현 #정상화 #바넷뉴먼 #모노크롬 #단색화 #유로저널 #최지혜예술칼럼

서로 다른 하늘과 땅 – 윤형근과 김환기 2

편집부 — Mon, 24 Jun 2024 16:14:07 +0900

유로저널 385

서로 다른 하늘과 땅 – 윤형근과 김환기 2

꿈은 무한한데 세월은 모자라다

김환기(1913-1974) 작가는 두꺼운 면인 ‘코튼 덕(Cotton Duck)’에 유화 물감을 소나무에서 얻는 증류 오일의 일종인 터펜틴 기름에 섞어 희석하고 점들을 살짝 굽어 있는 곡선을 따라 찍었다.

코튼 덕 캔버스는 100% 면으로 만든 페인팅 캔버스의 일종인데, 페인팅, 스트레칭, 프레이밍의 혹독한 환경을 견딜 수 있을 만큼 견고하고 내구성이 뛰어나다. 그리고 질감이나 유연성, 그리고 흡수성이 좋아서 많은 예술가들이 사용하고 있는데 김환기 작가도 많이 사용했다.

김환기는 코튼 덕 위에 먼저 토끼 가죽을 끓여 만든 아교 용액을 얇게 펴 발랐다. 그리고 묽은 유화 물감을 코튼 덕에 바르면 물감이 캔버스에 흡수되는 동시에 아교층을 따라 번져 나가면서 마치 수묵화 같은 은은한 느낌을 자아냈다.

그는 우선 점을 찍고 그 점 외부를 사각형으로 만들었다. 그리고 이미 찍어 놓은 점 위에 반복해서 또 점을 찍었다. 그렇게 허리가 아플 정도로 하루에 10-15시간 동안 계속해서 점을 찍었다.

이러한 그의 기법과 구성은 마침내 그의 작품 ‘하늘과 땅 24-IX-73 #320’(1973)에서 절정을 이룬다.

김환기, 하늘과 땅 24-IX-73 #320, 1973

이 작품은 점·선·면이 완벽하게 조화돼 김환기의 ‘푸른 점화’ 가운데서도 제일 아름답다고 평가받는다. 건강이 안 좋아진 그는 이 작품을 완성한 날 일기에 이렇게 적었다. “죽을 힘을 다해서 완성했다.”

김환기하면 ‘한국 근현대미술에서 가장 중요한 작가’, ‘추상미술의 선구자’, ‘국내 현대미술 경매 최고가 10점 중 9점을 차지할 정도로 비싼 작가’ 등 다양한 수식어가 따라오지만, 그 중에서도 엄청난 작품 경매가로 많은 사람들에게 알려졌다.

그가 생전에 스스로 ‘점화(點畵)’라 명명한 대형 유화 추상 중 하나인 ‘우주05-Ⅳ-17 #200 (1971)’가 2019년 11월23일 크리스티 홍콩 경매에서 132억에 낙찰됐다.

김환기, 우주 05-Ⅳ-17 #200, 1971

두 개의 점화가 마치 쌍둥이처럼 나란히 붙어 있는 이 작품의 부제는 ‘우주’다. 우리를 포함해 삼라만상을 다 품고 있는 이 ‘우주’는 우리들의 시간과 공간도 품고 있다.

“그제도 어제도 오늘도 그 점을 찍는 일을 하고 있다. 오만 가지, 죽어간 사람, 살아있는 사람, 흐르는 강, 내가 오르던 산, 돌, 풀포기, 꽃잎…. 실로 오만 가지를 생각하며 내일을 알 수 없는 미래를 생각하며 점을 찍어간다. 그제도 어제도 오늘도 그 점을 찍는 일을 하고 있다. 오만 가지, 죽어간 사람, 살아있는 사람, 흐르는 강, 내가 오르던 산, 돌, 풀포기, 꽃잎…. 실로 오만 가지를 생각하며 내일을 알 수 없는 미래를 생각하며 점을 찍어간다.”

-김환기-

1937년 4월, 24살의 김환기는 일본 유학을 마치고 돌아왔다. 그리고 피란생활 중 허리를 펼 수 없는 다락방에서도 “그저 그릴 수밖에 없다”며 붓을 들던 김환기는 30대에 교수직을 내팽개치고 프랑스 파리로 건너가 그저 40대의 무명 동양인 작가로서 활동했다. 그러다 뉴욕으로 건너갔고 50대에 드디어 자신만의 새로운 길인 ‘점화’를 발견했다.

그리고 61세에 세상을 떠나기 며칠 전까지 “꿈은 무한한데 세월은 모자라다” (김환기의 뉴욕일기)라고 말하면서 점을 찍었다.

김환기, 17-VI-74 #337, 1974 (사진출처: 아트조선)

김환기는 작품 ‘17-VI-74 #337’을 그린 뒤 다음 달인 7월 25일에 세상을 떠났다. 그는 죽는 날까지 더 그릴 수만 있다면 더 그리고 싶었다고 했다.

그림을 전부 부숴버리고 독기를 내뿜었어요

윤형근(1928-2007)과 김환기는 비슷한 시기에 살았다. 하지만, 분명 다른 삶을 살았다.

이렇게 넉넉한 가정 형편 속에서 미술을 배울 수 있었던 김환기와는 달리, 윤형근은 한국 전쟁을 경험하고 정치적 이념의 혼란 속에서 고단한 삶을 살았다.

그래서 윤형근은 자신이 가장 좋아하던 예술가이자 스승이었던 김환기의 미술에 많은 영향을 받았음에도 불구하고 궁극적으로는 미학적으로 다른 길을 걷었다. 그는 김환기 작품에서 느껴지는 고요하고 정적인 정서보다는 자신은 어두움과 절망을 그려넣었다고 스스로 고백했다.

‘형무소에서 나와서 이제껏 그렸던 그림을 전부 부숴버리고 독기를 내뿜었어요. 73년부터 그림이 확 달라진 계기는 이런 이유에서예요.…… 처음에는 원색인데 그 위에 덧그리니까 까맣게 되고, 아예 검게 만들어버리고 싶어 울트라 마린하고 번트 엄버를 물하고 섞어 먹빛으로 그린 것이에요. 또 그때는 돈이 없어 큰 캔버스에 물감으로 그릴 엄두가 나지 않아 물감을 테레핀에 풀어서 묽게 그리기 시작했어요.’

- 오상길, 윤현근 대담, ‘현대미술 다시 읽기 3(ICAS,2002)’ -

윤형근, Drawing, 1972 (사진출처: 코리아나)

그의 말대로 윤형근은 처음에는 밝은 색으로 작품을 그렸다. 그런데, 1973년 형무소에서 나온 후 작품에서 밝은 색이 사라졌고 윤형근 특유의 색채인 묵색이 등장했다. 이 시기의 작품을 그는 스스로 ‘천지문’이라고 불렀다.

“내 그림의 명제는 하늘과 땅과 문, 즉 ‘천지문(天地門)’이다” – 윤형근 -

윤형근, Umber-Blue `77-33, 1978 (사진출처: 월간미술)

그가 ‘청다색(Umber-Blue)’이라는 이름을 붙인 이 시기 작품들은 청색이나 갈색을 각각 칠한 뒤 그 위에 다시 겹쳐 칠하거나 미리 두 색을 섞어서 화면을 채우고 또 비웠다. 묵직하게 쭉 내려 그은 기둥의 가장 자리는 수묵화처럼 말갛게 번져나가거나 바탕색이 되었던 청색이나 갈색이 먹색 아래로 드러나게 했다.

물감이 바탕에 스며들어 번지면서 기둥 색면과 바탕의 경계는 흐려졌고, 그래서 바탕과 기둥이 분리되어 있으나 하나가 되어 있는 듯 보인다. 이렇게해서 바탕재의 질감도 색면도 여백에서 모두 자연스럽게 드러난다.

윤형근, Umber-Blue `77, 1977 (사진출처: 월간미술)

이 작품도 역시나 색과 형태, 작업 방식이 모두 단순해 보인다. 그러나, 화폭 양쪽에 내려 그은 기둥과 여백은 보는 사람들로 하여금 먹먹한 느낌을 들게 한다.

“내 그림은 잔소리를 싹 뺀 외마디소리를 그린다.” – 윤형근 -

(다음에 계속…)

유로저널칼럼니스트, 아트컨설턴트 최지혜

메일 : choijihye107@gmail.com

#Kculture #Kart #윤형근 #김환기 #다색 #점화 #유로저널 #최지혜예술칼럼

신뢰와 존중의 관계 – 윤형근과 김환기 1

편집부 — Mon, 10 Jun 2024 15:31:10 +0900

유로저널 384

신뢰와 존중의 관계 – 윤형근과 김환기 1

‘더할 수 없는 분노를 주체할 길 없어’

윤형근, 다색, 1980 (사진출처: 국립현대미술관)

먹물같은 색의 기둥들이 쓰러질 듯 아슬아슬하게 서 있다. 그림 왼쪽에 두 기둥은 오른쪽에 쓰러진 두 기둥을 받치고 있는 것 같기도 한데 웬지 이마저도 곧 쓰러질 듯 힘들어 보인다. 하지만, 모두 꿋꿋히 쓰러지지 않기 위해서 버틴다. 그리고 뒤로도 흐린 기둥들도 겹겹이 보인다.

먹을 갈아 만든 것 같은 이 검정에 가까운 색은 작가 윤형근(1928-2007)이 하늘의 색인 ‘블루(Blue)’와 땅의 색인 ‘엄버(Umber)’를 섞어 검게 만든 뒤 거기에 오일을 타서 만든 것이다. 이것을 그는 면포나 마포에 그어 내렸다. 그렇게 해서 하늘과 땅이 섞여 만든 검정이 기둥을 이루고, 그 사이에는 문같은 여백이 조금 생겼다.

윤형근은 1980년, ‘5·18 광주 민주화 운동’이 벌어진 직후에 ‘더할 수 없는 분노를 주체할 길 없어’ 이 작품을 그렸다.

그런데, 한국의 현대미술의 거장 중 한 명으로 꼽히는 윤형근 작가의 초기 작품은 이런 먹빛 기둥의 그림과는 아주 다르다. 그렇다면, 살아 생전에 말이 거의 없어 ‘침묵의 화가’라고 불렸던 그가 어떤 삶을 살았길래 이런 힘든 기둥을 그렸을까?

1928년 청주에서 태어나 일제강점기와 한국 전쟁 등 한국의 역사적 시기에 청년기를 보낸 그는 3번의 복역과 1번의 죽을 고비를 넘길 만큼 녹록지 않은 삶을 살았다. 1947년 서울대학교에 입학했지만, ‘국대안(국립대학교설립안) 반대’ 시위에 참가했다가 구류 조치 후 제적당했다.

당시 교수였던 김환기(1913-1974)의 도움으로 홍익대학교 회화과에 편입할 수 있었다. 그러다가 1950년 한국전쟁 발발 직후 학창시절 시위 전력으로 ‘보도연맹’에 끌려가 학살당할 위기도 겨우 면했다. 또한 전쟁 중에 피난을 가지 않고 서울에서 부역했다는 명목으로1956년 6개월간 서대문형무소에서 6개월간 복역했다.

1960년에 윤형근은 김환기의 장녀와 결혼해 두 사람은 가족이 되었다. 윤형근은 평생 김환기를 ‘아버지’라 불렀고, 김환기도 윤형근을 ‘신뢰와 존중’으로 대했다고 한다.

이후 유신체제가 한창이던 1973년 숙명여고 미술교사로 재직 당시, 당대 최고의 권력자인 중앙정보부장이 뒤를 봐 주던 한 학생의 비리를 따져 물었다는 이유로, ‘반공법 위반’ 협의로 잡혀가 고초를 겪었다.

당시 그가 쓰고 있던 빵 모자가 러시아의 레닌의 것과 비슷하다는 것이 이유였다고 윤형근의 아들은 회고했다. 그 모자는 사실 윤형근의 장인이자 스승이었던 작가 김환기가 뉴욕에 살면서 즐겨쓰던 모자였고 그것을 윤형근이 사진으로 본 뒤 멋있어 보여 자신도 직접 만들어 쓴 것이라고 한다.

고초를 겪고 집으로 돌아온 윤형근은 그때부터 다른 직업을 아예 가질 수 없었다. ‘요시찰 인물’로 찍혀 수시로 경찰의 감시를 받고 있었기 때문이다. 그래서 그는 어쩔 수 없이 10여 년간 그림 작업에만 전념했다. 당시 그의 나이는 45세였다.

하늘과 별과 땅

윤형근, 별과 달과 뜰, 1966 (사진출처: 홍대신문)

이 작품은 홍익대학교박물관에 소장되어 있는 윤형근 작가의 초기 작품이다. 자신이 가장 좋아했던 김환기(1913-1974) 작가의 푸른 색감에 색점이 그대로 드러난다.

김환기, 북서풍 30-VIII-65, 1965

이렇게 윤형근의 1960년대 중반 작품들에서는 김환기 점과 원의 영향이 많이 드러난다.

김환기 작가는 특히 한국의 전통 미술과 자연을 사랑했다. 백자에 ‘달항아리’라는 이름을 붙여준 것도 바로 그다. 그의 한국의 전통적 소재에 대한 사랑은 1956년 파리로 건너간 뒤 더욱 깊어졌다. 1957년 친구에게 보낸 편지에 그는 “여기 와서 느낀 것은 시정신(詩精神)이오. 예술에는 노래가 담겨야 할 것 같소. 거장들의 작품에는 모두가 강력한 노래가 있구려.”라고 적었다.

김환기, 영원의 노래, 1957 (사진출처: 다음카페)

이후, 김환기는 1963년 50세에 미국 뉴욕으로 건너가 또 다른 도전에 몸을 던졌다. 1년 뒤 개인전을 열었지만, 뉴욕타임스(NYT)는 전시에 대해 “미국 추상표현주의의 모방”이라고 혹평을 받았다. 하지만, 그는 포기하지 않고 새로운 형식의 실험을 계속했고 마침내 ‘점’을 재발견했다. 위의 ‘북서풍 30-VIII-65’ 은 그 결과물의 하나라고 할 수 있다.

“점화가 성공할 것 같다. 미술은 하나의 질서다.”

– 김환기 뉴욕일기 -

윤형근 작가의 1970년대부터 2007년까지 나타나는 번짐 기법 또한 김환기 작가의 작품에서 볼 수 있는 특징적인 것이다.

윤형근, Umber-Blue, 1980 (사진출처: curio-jpn.com)

윤형근은 1970년대 ‘한국미술대상전’에서 대상을 받은 김환기의 ‘어디서 무엇이 되어 다시 만나랴(1970)’에서 번짐 기법을 접하고 그것에 영향을 받았다고 직접 말한 적이 있다.

김환기, 어디서 무엇이 되어 다시 만나랴 16-IV-70 #166, 1970 (사진출처: 한국일보)

이 작품은 1969~1970년 김환기의 점화가 마침내 전면 점화로 진화하면서 완성된 작품이다.

“내가 그리는 선, 하늘 끝에 더 갔을까. 내가 찍은 점, 저 총총히 빛나는 별만큼이나 했을까. 눈을 감으면 환히 보이는 무지개보다 더 환해지는 우리 강산….”

-김환기 뉴욕일기-

(다음에 계속…)

유로저널칼럼니스트, 아트컨설턴트 최지혜

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무료함을 잡아줄 독서 -해외 거주 중고생을 위한 독서 가이드-

편집부 — Tue, 04 Jun 2024 00:02:10 +0900

무료함을 잡아줄 독서

--해외 거주 중고생을 위한 독서 가이드

국어 강사& 블룸스버리 아카데미 영어 : 저자

이 세상에는 만국 학생들이 잘 아는 공부법이 하나 있습니다. 바로 “책 읽기” 혹은 “독서”죠.

이 방법은 언어 과목 뿐만 아니라 모든 과목의 성적으로 올려줄 수 있는 가장 효과적인 방법이기도 합니다. 그러나 쉬운 만큼 실천하기 어렵다는 점도 이 공부법의 특징인데요.

특히 도파민의 중독에서 벗어 나오기 힘든 요즘이기에 이 방법은 더 손이 안 가기도 해요.

독서를 사랑한다고 생각했던 필자도 유투브, OTT 에 독서가 밀릴 때가 많답니다.

하지만 도파민이 중독된 하루 속에서도 책을 찾게 되는 순간이 있습니다.

저는 하루가 마무리된 늦은 밤, 깨끗하게 샤워를 하고 나와 책상과 침대만을 은은하게 밝혀주는 노란 램프 아래서 침대 속에 안긴 순간, 그 “감성”만은 항상 독서를 부르더라구요.

그 때, 유투브의 잔잔한 노래가 나오는 플레이리스트를 들으면서 독서를 하면 현실에서 벗어나는 듯한 마법도 경험하는 것 같아요.

아마 모두 각자만의 그런 “감성”.그 책과 걸맞는 분위기의 노래를 들으며 자신만의 감성을 찾아보기 바랍니다. 오늘은 그 감성 속에서 읽을 수 있는 책들을 몇 권 소개 시켜드리려 합니다.

혹은 활용한다면 독서는 분명 재미있는 공부가 될 수 있습니다, 그 속에서도 하루를 천천히 흐르게 할 수 있는 감성을 찾는다면, 바쁜 학창시절을 보내고 있겠지만. 이 있을 것이라 생각합니다

줄거리:

빅터 프랭클의 『죽음의 수용소에서』는 나치의 강제 수용소에서 살아남은 정신과 의사인 저자가 자신의 경험을 바탕으로 인간의 삶의 의미를 탐구한 책입니다.

비인간적인 고통 속에서도 희망과 의미를 찾으려는 인간의 끈질긴 의지를 보여주려는 프랭클을 이해하는 과정이 흥미롭죠.

프랭클은 극한의 상황에서도 삶의 의미를 발견하는 것이 어떻게 가능한지, 그리고 이를 통해 인간이 어떻게 심리적 회복력을 가질 수 있는지를 설명합니다.

그의 로고테라피 이론은 어렵게 느껴질 수도 있지만, 개인이 자신의 고통을 의미 있는 것으로 받아들일 때, 그 어떤 역경도 이겨낼 수 있다는 강력한 메시지를 전달합니다.

중학교 역사에서 흔히 등장하는 세계 제 2차 대전의 내용이기에 문학적인 사고와 함께 역사도 배울 수 있기에 강력 추천합니다.

추천 플레이리스트 키워드: #아포칼립스 #진지 #클라식

줄거리:

얀 마텔의 『파이 이야기』는 인도 소년 파텔이 태평양을 건너며 겪는 극한의 생존 이야기에요. 파이는 동물원장을 운영하는 가족과 함께 캐나다로 이주하던 중, 배가 난파되어 혼자 구명보트에 남게 됩니다.

그의 유일한 동반자는 벵골 호랑이 리처드 파커입니다. 파이는 227일 동안 바다에서 호랑이와 함께 생존했다고 설명하는데, 과연 이게 진실일지? 생존자의 이런 이야기가 믿어지나요?

이 책은 다문화적 요소와 다양한 종교적 주제를 다루어 다양한 배경과 문화적 이해를 가진 사람들의 공감을 살 수 있는 아름다운 소설입니다.

추천 플레이리스트 키워드: #웅장한 #영화 음악 #우울한

The Five People You Meet in Heaven

– Mitch Albom (영문)

줄거리:

미치 앨봄의 『The Five People You Meet in Heaven』은 에디라는 이름의 노인이 목숨을 잃게 되며 시작합니다.

천국에서 에디의 삶과 연결된 5명의 사람들은 만나 인생을 이해하고 의미를 찾도록 도와줍니다.

각 만남을 통해 에디는 자신의 삶이 어떻게 다른 사람의 삶에 영향을 미쳤는지 깨닫게 됩니다.

이 소설은 사후 세계를 배경으로 삶과 죽음, 인간 관계의 복잡성을 다룹니다. 감성적인 주제로 우리의 삶도 돌아보게 돌아보게 해요.

개인적으로는 하루의 끝에 위로와 격려가 되기도 한 깊이 애정하는 소설입니다.

추천 플레이리스트 키워드: #오케스트라 #가사 없는 잔잔한 팝송 #힐링

줄거리:

할레드 호세이니의 『연을 쫓는 아이』는 아프가니스탄 출신 소년 아미르의 성장 이야기입니다.

카불에서 부유한 집안에서 자란 아미르는 절친한 친구이자 하인 집안의 아들인 하산을 배신하게 됩니다.

이후 소련의 침공을 피해 미국으로 이주하고 살아가는 과정에서 과거의 죄책감을 싸우며 성장합니다.

우정, 배신, 구원 등의 주제를 다루는 감동적인 소설은 AP 과정에서도 IB 과정에서도 빠지지 않고 시험에 출제되는 소설입니다.

아프가니스탄의 역사와 문화, 문학적 장치 모두 배울 수 있는 필독서 중 하나입니다.

추천 플레이리스트 키워드: #역동적인 #잔잔한 #이별

줄거리:

윤고은의 『밤의 여행자들』은 기후 변화로 자연재해가 빈번해진 비래 사회를 배경으로 재난 여행자 직원인 고요나가 재난 현장을 여행하다가 생긴 사건에 대한 이야기 입니다.

재난을 기회로 삼는 냉혹한 현실과 재난의 참혹함 속에서 인간의 본성과 사회의 이면을 마주하게 됩니다.

요나는 자신 처한 상황 속에서 세상을 다시 바라보게 되고 인간의 회복력과 연대의 힘을 깨닫게 됩니다.

이 소설은 현대 사회의 문제와 인간 본성에 대한 깊은 통찰을 제공하기에 IB 과정의 글로벌 이슈를 찾아내고 사회적, 도덕적인 탐구에 도움이 많이 되는 작품입니다.

미래의 도전과 변화에 대해서도 상상해볼 수 있죠.

추천 플레이리스트 키워드: #잔잔한 #인디 #판타지

The Invisible Man – H. G. Wells

투명인간 – 허버트 조지 웰스 (영문)

줄거리:

H.G.Wells 의 『The Invisible Man』과학자의 이야기로, 투명인간이 되는 실험에 성공하지만 그로 인해 겪게 되는 고통과 혼란의 이야기입니다.

투명인간이 된 사회에서 살아남기 위해 고군분투하지만, 점점 자신의 인간성을 잃어가며 폭력적이고 파괴적인 인물이 됩니다.

그의 비극적인 최후가 안타까우면서 납득이 되는 논리적인 글입니다. 이 소설은 “투명인간이 된다면 어떤 느낌일까?”를 소설로 풀어냈습니다.

과학 기술의 무분별한 사용과 윤리에 대해 생각해보기를 바랍니다. 이 작품 또한 AP, IB 에 다룰만한 주제가 많은 만큼 오래 생각해보는 작품이 되기 바랍니다.

추천 플레이리스트 키워드: #판타지 #긴장감 #역동적

블룸스버리 에듀케이션 소개 및 연락처

편집부 — Sun, 02 Jun 2024 15:52:37 +0900

가장 “큰 변화”를 마주한 IB Chemistry 파헤치기

편집부 — Sun, 02 Jun 2024 15:28:51 +0900

영국 및 국제 학교 입시를 위한 IB/ GCSE 전과목 전문학원이 전하는 교육 정보 (2)

가장 “큰 변화”를 마주한 IB Chemistry 파헤치기

2023년부터 IB Chemistry 과목의 교육 과정이 완전히 새롭게 개편되었습니다.

IB 과정을 밟고 있고, 앞으로 밟을 많은 학생들이 변경된 내용에 대해 궁금해하고 있기에 오늘은 그 내용을 자세히 살펴보겠습니다.

새 교육 과정에서 가장 큰 변화는 기존에는 4개의 추가 단원 (Option) 중 하나를 선택 해서 공부했던 단원들이 Core Content 으로 통합되어 11 + 1 (선택) 형식에서 총 22개의 단원으로 개편되었다는 점입니다. 단원 개수가 많아진 게 겉보기에는 공부할 양이 거의 두 배로 증가한 것처럼 보일 수 있지만 사실 범위는 기존과 크게 다르지 않습니다. 그저, 11개의 단원들을 구체적으로 세분화시킨 것이기에 결국 전체적으로 학습해야 할 내용은 기존 교육과정과 크게 달라지지 않았습니다.

지금까지 변화한 IB chemistry 교육 과정들을 분석해보았을 때, 일부 내용이 추가되거나 삭제되는 것은 사실이지만, 전반적인 학습량은 유사했기에 앞으로의 변화도 공부량에는 큰 영향을 끼치지 않을 것이라 예상합니다.

다만, 2023년 개편된 교육과정은 시험 구성에 큰 영향을 미칠 것입니다. 기존의 교육 과정은 총 세 개의 시험으로 구성되어 있었는데, Paper 1은 객관식, Paper 2는 서술형, Paper 3는 두 부분으로 나뉘어 첫 부분에서는 실험 관련 문제들을, 두 번째 부분에서는 Option 토픽 4개 중 하나를 선택해서 푸는 것이었습니다.

그러나 개편된 2023년 교육 과정에서는 Option 과목이 삭제되었기에 Paper 3 시험이 폐지되습니다.

나아가, paper 3 의 두번째 부분은 책임지던 실험 관련 문항, 내지는 데이터 응답 문제는 Paper 1 과 통합되었습니다.

즉, Paper 1은 HL 기준 40개의 객관식 문제와 35점 분량의 데이터 응답 문제로 변경된 것입니다. 그 동안은 새로운 교육과정이 도입되었음에도 불구하고 개편된 교육과정과 기존 교육과정의변경 사항이 크지 않아 대부분 학교의 내신 시험에서는 이전 교육과정의 Past Paper 를 적극적으로 활용해 왔었습니다.

새로운 교육과정이 적응될 때 까지는 이러한 현상이 유지될 가능성이 높습니다. 다만, 이번 개편된 과정에서는 변화가 기존에 비해 커진 만큼 앞으로 내신 시험 문제의 past paper 활용 비중이 70%까지 떨어질 수 있으며, 다른 자료를 활용할 가능성도 배제할 수 없습니다.

이런 변화에 빠르게 적용하려면 전문가의 손길이 필요합니다. 새로운 교육과정과 이전 교육과정의 차이점을 잘 이해하고, 개편된 흐름을 개인의 성향에 맞게 빠르게 적응시켜줄 수 있는 학원을 선택하는 것이 중요합니다. 꾸준히 변화하는 IB 교육과정의 경험이 많은 선생님의 지도는 어려운 IB 과정의 지름길을 만들어 주십니다.

블룸스버리 에듀케이션 IB 화학팀은 실제 IB를 이수하고 명문대에 진학한 강사진으로 구성되어 있습니다. 이들은 IB 교육 과정의 변경에 따라 필요한 대비책을 누구보다 섬세하게 제공할 수 있습니다. 새롭게 변경된 IB 교육과정의 문제 유형이 어떻게 변화하고 어떤 자료들이 학교 내신 시험에 참고하는지를 잘 파악하는 블룸스버리 에듀케이션 IB 화학팀의 도움을 받으시길 권장합니다.

기사 제공: IB / GCSE 전문 교육 기관

대상 : IB2학년, IB1학년, Year11, Year10, Year 9, Year8, Year7

한국 블룸스버리에듀케이션

전화: 010-2131-4072 (카톡겸용)/ 02-515-4073

카톡 아이디: bloomsseoul

멘토를 찾아서 – 윤형근1

편집부 — Sun, 12 May 2024 20:48:29 +0900

유로저널 381

멘토를 찾아서 – 윤형근1

1.지칠 줄 모르는 한류의 인기

한국 드라마, 영화, 음악, 음식, 그리고 예술에 이르기까지 한국 문화가 세계의 주목을 받고 있다고 해도 과언이 아닐 것 같다.

영국에서도 한류 문화 열풍을 느낄 수 있는데, 주영한국문화원(원장 선승혜/이하 문화원)에서는 지난 5월 1일(수) 영국 중부 지역 셰필드(Sheffield)에서 “더 신나게”를 주제로 ‘셰필드 한국의 날(Korea Day in Sheffield)’ 축제를 개최했다. 영국 중부 지역 주민 약 400여 명이 참석해서, 한국어 영상대회, k-pop 및 태권도 시범, 다양한 한국문화 체험을 즐겼다.

K-Food (사진출처: Korean Embassy)

올해로 벌써 6회를 맞은 ‘셰필드 한국의 날’ 축제에 이어6월 1일에는 리버풀, 6월 8일에는 옥스퍼드, 그리고 6월 13일부터 14일에는 리즈에서 한국의 날이 예정되어 있다.

또한 요즘은 특히 한류 중에서도 한국 예술에 대한 관심이 높아진 가운데, 미국, 유럽에서는 한국의 근,현대 예술 작가들의 대규모 전시가 여기저기서 열리고 있다.

뉴욕의 메트로폴리탄 뮤지엄(Metropolitan Museum of Art)에서는 2023년 10월 16일부터 2023년 11월 7일까지 한국 미술 전시관 개관 25주년을 기념하면서 ‘Lineages: Korean Art at The Met ‘전시를 개최했었다.

Lineages: Korean Art at The Met (사진출처:www.galleryhyundai.com)

이우환, 이승택, 그리고 서세옥을 대표로 내세워 선, 사물, 장소, 사람이라는 네 가지 주제를 통해12세기부터 현재에 이르는 30여 점의 작품으로 한국 예술사를 선보였다.

Seung-taek Lee, Tied White Porcelain, Korea, 1979 (사진출처:The Metropolitan Museum of Art)

현재 4월 20일부터 11월 24일까지 열리고 있는 베니스 비엔날레에서도 '유영국:무한세계로의 여정’ 전시가 열리고 있는데, 미국 미술전문지 아트뉴스에서는 이번 전시를 ‘비엔날레 기간에 베니스에서 꼭 봐야할 전시 10선’ 중 하나로 꼽았다.

그리고 “유영국의 1960년대와 70년대 추상화는 빛나고 밝으며 매혹적인데, 대조적인 색면이 그들만의 기이한 조화를 이루고 있다”는 해외 미술평론가들의 호평과, '말이 없어지는 그림'이라는 관람객들의 리뷰가 계속해서 이어지고 있는 가운데, 방탄소년단 RM의 소장품도 선보여 세계 아미들도 전시장으로 몰리고 있다.

An installation view of "A Journey to the Infinite: Yoo Youngkuk" at Fondazione Querini Stampalia © Courtesy of Yoo Youngkuk Art Foundation (사진출처: The Korea Herald)

하지만, 이렇게 지칠 줄 모르고 치솟는 한류 문화의 인기도 언제까지나 지속될 수는 없을 것이다. 예술이든 음악이든, 음식, 패션이든간에 시대의 변화에 따라 인기가 있었다가 없어졌다가 하기 때문이다.

유행, 경향 또는 트렌드는 한 사회의 어느 시점에서 특정 생각이나, 표현 방식, 그리고 제품 등이 그 사회에 침투해서 확산해 나가는 과정에 있는 상태를 말한다. 그러니까 유행은 갑작스럽고 빠르게 퍼지면서 일시적인 인기를 얻지만 곧 사라지는 것이다. 더구나 요즘은 SNS(소셜 네트워크)를 통해 그것에 가속도가 붙어 더욱 빨리 생기기도 하고 없어지기도 한다.

2. 멘토

그렇다면, 이렇게 급변하는 현대의 상황을 어떻게 대처하면 좋을까?

현명하고 동시에 정신적으로나, 내면적으로도 신뢰할 수 있는 상대를 우리는 ‘멘토’라고 한다. '멘토'라는 단어는 ‘오디세이아(Odyssey)’에 나오는 오디세우스의 충실한 조언자의 이름이 ‘멘토르’였던 것에서 유래된 말이다.

이런 경험과 지식이 많은 사람(멘토)이 스승 역할을 하여 지도와 조언으로 상대방의 실력과 잠재력을 향상시켜주는 것을 멘토링(Mentoring)이라고 한다.

복잡한 현대인의 삶에서는 자신에게 주어지는 문제와 고민에 대해 자신의 분신처럼 격의 없이 의논할 수 있는 사람이자, 자신을 깊이 이해하고 응원해 주는 사람, 즉 멘토가 더욱 많이 필요할 것 같다.

아이돌 스타의 경우도 마찬가지다. 새로운 아이돌들이 셀 수도 없이 많이 쏟아져 나오고 있고 또한 시간이 지날수록 아이돌 그들 자신들도 바뀌기 때문에 정체성에 혼란을 겪기 쉽다. 젊은 그들에게 유용한 지식과 통찰과 전망 또는 지혜를 제공하고, 선지자로서 조언하고 격려하는 훌륭한 멘토가 있다면 어떨까?

3.나는 예술을 하기 전에 인간이 되고 싶어

세계적으로 인기를 누렸던 방탄소년단(BTS)의 리더인 RM(본명 김남준, 1994-)은 자신의 이런 고민의 답과 위로를 예술에서 찾았다.

RM은 코로나19 와 멤버들의 군 입대 등 그룹 활동의 전환점이 다가오는 상황에서, 자신을 돌아보면서2022년 12월 첫 공식 솔로 앨범 <인디고>(Indigo)를 선보였다.

그가 음악을 시작한 지 15년만에 그리고, 자신의 20대의 마지막 달에 선보인 이 앨범의 <인디고>는 쪽빛, 남색이라는 뜻이다. 주로 청바지에서 많이 쓰이는 색으로 청춘을 뜻한다.

그는 자신의 인스타그램을 통해 청바지와 데님 셔츠를 입은 모습과 함께 평소 자신이 존경하던 윤형근 작가의 작품 ‘청색’이 걸려진 사진을 올렸다. 자신이 사랑하는 음악과 미술을 함께 담아낸 것이다.

방탄소년단 RM 앨범 '인디고' 콘셉트 사진 (사진출처:SPOTV NEWS)

“팀 빠진 넌 사실 뭣도 아니야 너는 / 고속도로서 오솔길로 가려 해 너는”(‘윤’) “이 모든 명예가 이젠 멍에가 됐을 때 / 이 욕심을 제발 거둬가소서 (중략) 타는 불꽃에서 들꽃으로 / 소년에서 영원으로 / 나 이 황량한 들에 남으리”(리드 싱글 ‘들꽃놀이’)

화려한 인기를 얻었던 아이돌 스타이자 그저 20대 한 청년이기도 RM은 멤버들의 군입대 등 다양한 변화를 겪으면서 자신의 정체성에 대한 고민을 하고 있다.

이런 그의 고독한 여정에 윤형근 작가의 그림은 그에게 위로와 답을 주는 멘토 역할을 하고 있다.

Yun Hyong Keun, Blue, 1972 (사진출처:National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea)

앨범의 첫 번째 곡 ‘Yun’은 RM이 윤형근 작가에게 헌정한 곡이다.

“나는 예술을 하기 전에 인간이 되고 싶어. 잔인한 세상이지만 내 몫도 있을 거야. 진정한 아름다움은 진정한 슬픔이니까.”

- RM의 ‘인디고’ 앨범 ‘윤’ -

‘들꽃놀이’에서는 “하늘에 솟아올라 화려하게 피어나지만 곧 사라지는 불꽃 대신 땅에 뿌리를 두고 조용히 피고 지며 영원히 대지를 뒤덮는 들꽃이 되겠다”라고 말한다.

RM은 방탄TV에서 “블루는 윤형근 작가의 시그니처가 나오기 직전 페인팅이에요. 마지막 습작 같은 페인팅이에요. 저는 아직도 저의 시그니처를 못 찾았다고 생각하기 때문에 그래서 그 습작을 가져온 거죠”라고 자신이 이 작품을 앨범 커버로 사용한 이유를 설명했다.

나만의 박물관을 갖고 싶다

#한국드라마 #한류 #Kfood #Kculture #Kart #BTS #베니스비엔날레 #메트로폴리탄뮤지엄 #유영국 #윤형근 #RM #남주닝 #유로저널 #최지혜예술칼럼 #인디고 #블루 #서세옥 #이승택 #이우환

(다음에 계속…)

유로저널칼럼니스트, 아트컨설턴트 최지혜

메일 : choijihye107@gmail.com

고립감과 자유로움 - 리처드 세라3

편집부 — Sun, 12 May 2024 20:43:41 +0900

유로저널 380

고립감과 자유로움 - 리처드 세라3

공간과의 공명

묵직한 철을 소재로 부드러운 곡선 형태의 조각을 하는 리처드 세라(Richard Serra, 1939-2024)를 보통 미국의 미니멀리즘을 대표하는 조각가라고 말한다.

작품의 과정을 중시하고 특정 공간과 불가분의 관계 속에 전개되는 세라의 작품 세계는 ‘프로세스 아트’와 ‘장소특정적(Site-specific)미술‘이라고 한다.

Richard Serra, Sequence, 2006 (사진출처:flickr)

1960년대 설치된 작품을 관람할 때는 작품과 전시공간을 하나로 보는 것이 상식이었다. 그래서 리처드 세라도 장소로부터 작품을 분리할 수 없다는 것을 전제로 하며 작업을 했다. 그리하여 그의 작업은 작품이 설치된 공간과 작품, 그리고 관람객의 관계를 연결 지으며 맥락을 이루고 그 속에서 작품의 의미를 찾는 실험성을 내포하고 있다.

리처드 세라 작품을 감상하고 있는 관람객들

그의 ‘시간의 문제(The Matter of Time)(2005)’는 900톤이상의 무게에 4m가 넘는 높이의 거대한 부식된 철판으로 만들어진 작품이다. 그런데, 지지대도 없고 유연하게 구부러진 채 공간을 장악하고 있다.

그래서 작품을 둘러보는 관객들은 혹시나 철판이 무너지거나 흔들릴까 불안한 마음을 느끼게 된다. 그런데 이런 불안정함조차 리처드 세라의 오랜 경험으로 철저히 계산된 그리고 의도된 것이다.

우리는 그의 전시공간에 발을 들이는 순간 이미 그의 작품, 그리고 작품의 과정속에 들어가게 된다. 그리고 조각의 안과 밖을 왔다갔다 하면서 열려있는 공간에서 자유로움을, 반대로 폐쇄된 공간에서는 고립감과 함께 두려움을 느낀다.

미리 부식 과정을 거쳐 깊고 오묘한 색과 질감을 가진, 오로지 자신의 무게로만 지탱하고 있는 엄청난 규모의 작품을 오가고 있노라면 우리는 또한 시각뿐만 아니라 후각, 그리고 심지어 청각에 이르기까지 다양한 지각을 동원하게 된다.

지그재그 모양으로 쭉 이어져 있는 거대한 철판 조각들 사이로 끊임없이 오가는 사람들의 말소리, 숨소리, 발자국 소리 등을 듣게 된다. 철판에서 나는 냄새, 그 공간을 채우는 사람들의 냄새까지 맡는다.

그러다가 우리는 결국 작품의 중심으로, 전시장의 중심으로 들어갈 수 없는 상황이 펼쳐지게 된다. 그런 상황 속에서 마침내 철조각의 미로에 압도당하고 만다.

높은 절벽길을 걷듯, 좁고 깊은 동굴 속을 헤매듯 긴장되고 흥분되고 두렵다. 그리고 순간순간 자신을 둘러싼 엄청나게 큰 철 덩어리에 비해 자신이 얼마나 작고 약한 존재인지 실감하게 된다.

감정의 파도는 여기서 끝나지 않는다. 묘하게도 압도적인 물질성으로 인해 위협적으로 느껴지다가도 마음이 차분해지면서 명상을 하는 듯 편안한 기분도 든다.

그리고는 마침내 철로 과감하고 압도적으로 채워놓은 전시 공간 속에서 우리는 조각과 건축의 모호한 경계를 오며가며 공간 속의 잠재적인 에너지와 움직임들과 함께 공명한다.

새로운 언어

리처드 세라는 철조각으로 우리들에게 너무나도 유명하지만, 사실 조각뿐만 아니라, 드로잉에 있어서도 끊임없이 새로운 언어를 탐구해왔다.

1971년부터 꾸준히 작업해 온 드로잉들은 조각에서와 마찬가지로 그의 작업의 기본요소인 시간, 과정, 그리고 물질성에 부합하며, 여러 시리즈로 제작되었다.

Richard Serra, Untitled, 1972 (사진출처: The Metropolitan Museum of Art)

그는 꾸준한 드로잉 작품들을 통해 드로잉의 역할과 가능성에 대한 비판적인 메세지를 전하고 싶었다.

2019년 뉴욕 가고시안 갤러리의 리처드 세라 전시 전경 (사진출처: GalleriesNow)

위 작품 속 검은 네모들은 오르락 내리락거리는 계단처럼 보이기도 하고, 레고 블락처럼 보이기도 한다. 이것은 2019년 뉴욕 가고시안 갤러리에서 열렸던 리처드 세라의 작품이다. 당시 이 전시는 리처드 세라의 대표적인 조각 작품 전시가 아니라 평면의 드로잉 전시라는 점에서 사람들의 이목을 끌어었다.

튼튼한 수제 종이 위에 페인트, 왁스, 그리고 색소 등으로 만든 검은색 페인트 스틱으로 그린 단순한 이미지의 드로잉이지만, 그의 조각 작품처럼 단단한 강철 조각의 물질성이 느껴진다.

빨려들어갈 것만 같은 블랙홀같은 이 작품은 리처드 세라의 2009년 작품으로 지난 2월 29일부터 3월 3일까지 열린 LA 프리즈에서 2 million 달러(한화 약 27억원)로 최고가를 기록하며 팔렸다. 검은색 페인트 스틱으로 작업한 이 작품도 또한 부식된 철의 거친 질감의 표면이 연상되면서 묵직하면서도 가벼운 그의 철조각을 떠오르게 한다.

열정적인 통합

리차드 세라는 조각작품, 드로잉 뿐만 아니라, 공공미술을 설치하거나 영상을 제작하는 등 다양한 매체를 통해 같은 주제를 서로 다른 언어로 표현하기 위해 노력했다.

그리고 제작 과정과 무게, 긴장, 균형, 그리고 움직임과 같은 여러가지 측면에 대한 다양한 연구를 하면서 그는 생의 마지막 순간까지 열정적인 작업을 멈추지 않았다.

조형물을 만든다는 것은 평생에 걸친 헌신을 의미하고, 그것이 바로 그 의미이다. 내가 직접 열어본 작품의 방향을 따르고 그 안에서 가장 추상적인 제안을 하려고 한다는 뜻이다. 내 자신의 작품을 개발하고 그것을 개방적이고 활력 있게 유지하기 위해 필요한 것을 통합하는 것이다.

-리처드 세라-

(다음에 계속…)

유로저널칼럼니스트, 아트컨설턴트 최지혜

메일 : choijihye107@gmail.com